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Item A realidade criativa nas obras da cineasta Maya Deren: conceitos teóricos e análises fílmicas(Universidade Estadual do Paraná, 2022-07-22) Ferro, Fernanda Ianoski; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/6766812526349058; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Baggio, Eduardo Tulio; https://lattes.cnpq.br/8887788540106433; Pereira, Ana Catarina dos Santos; https://lattes.cnpq.br/7731108870085614Maya Deren (1917 – 1961) foi uma cineasta e teórica profícua em relação ao cinema. Ao longo de sua breve vida, escreveu mais de vinte textos teóricos, abordando os aspectos gerais da linguagem cinematográfica e seu próprio processo criativo. Dentre os conceitos abordados por Deren, destaque-se o uso de uma realidade criativa, tanto nas apresentações textuais quanto nos seus próprios filmes. O corpus dessa pesquisa são os dois primeiros curta metragens da cineasta: Meshes of the Afternoon (1943) e At Land (1944), além dos conceitos sobre realidade e criatividade, presentes na maioria dos seus textos, compilados por Carolina Martínez no livro El universo dereniano: textos fundamentales de la cineasta Maya Deren (2015). Para trazer o pensamento dereniano ao cerne dessa pesquisa, parto da abordagem metodológica da Teoria de Cineastas, que busca trazer o pensamento de cineastas ao centro das discussões sobre cinema, e para isso, parte-se de suas fontes primárias: textos, entrevistas, roteiros etc., bem como suas obras audiovisuais. Dentro dessa abordagem, trago textos de autoria de Manuela Penafria, Eduardo Baggio e Bruno Leites - entre outros - atuantes na SOCINE - Sociedade Brasileira de Pesquisa em Cinema e Audiovisual, com o Seminário Temático Teoria de Cineastas, desde 2016. Mostrou-se evidente, ao longo da trajetória de pesquisa, que Deren mantém-se constante em relação aos conceitos que ela propõe sobre cinema, reafirmando-os a cada novo texto. Para ela, o cinema deve afastar-se de outras formas artísticas há muito definidas (como a pintura, o teatro e a literatura) e explorar os recursos próprios do seu meio. Sobre a realidade criativa, configura-se, para Deren, em uma forma de cinema que busca não a representação do mundo, mas a sua transformação através de elementos próprios ao meio cinematográfico, como a montagem, que assume um papel de grande relevância em suas obras. Nos filmes derenianos, fica evidente uma luta pela dissolução das linhas espaço temporais de uma narrativa clássica, trazendo ao ecrã uma abordagem criativa, onde os espaços estão fora de uma ordem lógica – como em At Land, onde a protagonista está na praia, logo depois entra em um espaço fechado de reuniões e novamente volta-se à praia: uma geografia impossível, mas que mostra uma característica própria do cinema: ligar espaços e planos aparentemente desconexos da realidade lógica, mas que aprofundam-se em sensações. Deren ainda aproxima-se da idéia de um cinema de poesia, como uma abordagem da experiência, o que defende no seu entendimento de um cinema vertical.Item A sobrevivência das imagens da arte grega do período clássico no filme Me Chame pelo Seu Nome, de Luca Guadagnino(Universidade Estadual do Paraná, 2022-09-01) Viana, Rafael Alessandro; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/3646660905570212; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Teixeira, Rafael Tassi; https://lattes.cnpq.br/9074237042190064; Costa, Daniel Lula; https://lattes.cnpq.br/6286200229085639; Costa, Marcelo Monteiro; https://lattes.cnpq.br/0859580104430692Poderiam os corpos dos personagens de Me chame pelo seu nome (2017), de Luca Guadagnino, serem imagens sobreviventes da arte grega do período clássico? A partir dos escritos de Georges Didi-Huberman e Etienne Samain acerca do legado de Aby Warburg e seu Atlas Mnemosyne, essa pesquisa propõe uma reflexão acerca da construção da iconografia de Elio e Oliver, protagonistas do filme, em uma perspectiva que recupera na história da arte a produção estatuária grega do período clássico. Além disso, investiga-se a maneira com a qual o longametragem põe esses corpos em cena, apresentando uma reflexão acerca de determinados padrões da fotografia homoerótica, aqui aferidos a partir do trabalho de Alair Gomes, na maneira de iluminar, enquadrar, fragmentar esses corpos. A apreensão deste pensamento das imagens e pelas imagens se dá pelo cruzamento entre elas, a partir do cotejo, da comparação, da colagem, pondo as imagens em diálogo e fazendo seu pensamento emergir. Dessa forma, o trabalho abarca o cinema a partir de sua inserção na história da arte ao explicitar pelo texto e pelas imagens cruzadas como certas representações clássicas do corpo masculino sobrevivem na contemporaneidade.Item Éric Rohmer e O Raio Verde (1986): encenação e criação entre o acaso e o controle(Universidade Estadual do Paraná, 2023-04-04) Comodo, Giovanni Alencar; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/0612155696332177; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Faissol, Pedro de Andrade Lima; https://lattes.cnpq.br/5571263484400881; Oliveira Júnior, Luiz Carlos Gonçalves de; https://lattes.cnpq.br/6985782589830684Situada no âmbito da Teoria de Cineastas, esta pesquisa aborda a presença do acaso – entendido aqui como eventos fora do controle do realizador – no processo criativo do cinema de Éric Rohmer (1920-2010), especialmente em O Raio Verde (1986). A partir de fontes como entrevistas, textos e filmes de Rohmer, além de depoimentos de parceiros de trabalho e a produção crítica e teórica sobre o realizador, em uma tentativa de melhor compreender sua reputação e método de cineasta rigoroso e controlador, trazendo o filme Noites de Lua Cheia (1984) como exemplo. Em seguida, baseado em Fayga Ostrower, Ronaldo Entler e Décio Pignatari, realizo uma investigação da presença do acaso em processos criativos nas artes em geral, incluindo possíveis pontes com o cinema e a obra para televisão educativa de Rohmer. Estabelecidos o fazer artístico de Rohmer e noções do acaso na criação, no terceiro capítulo parto para análise de O Raio Verde, obra paradigmática na filmografia do diretor em seu fazer repleto de improvisos e de eventos inesperados e incorporados ao filme. O exame de cenas, entrevistas e textos de sua época enquanto crítico revelam um Rohmer atento ao legado de diretores que admira e interessado em aplicar suas ideias na prática. Depoimentos de colaboradores e uma entrevista inédita com Marie Rivière, atriz protagonista e co-autora do roteiro de O Raio Verde, demonstram um cineasta inquieto e aberto às colaborações de sua equipe em encontro com o mundo, integrando o acaso enquanto força criativa de seu processo.Item Proposições de cinema lésbico em Barbara Hammer(Universidade Estadual do Paraná, 2021-08-19) Borgonovo, Débora Zanatta; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/0982241093182333; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Baggio, Eduardo Tulio; https://lattes.cnpq.br/8887788540106433; Sousa, Ramayana Lira de; https://lattes.cnpq.br/6350618099589876Esta dissertação apresenta proposições da cineasta Barbara Hammer para a realização de um cinema lésbico. A abordagem utilizada é a da Teoria de Cineastas, privilegiando como fontes da investigação os pensamentos, verbais e fílmicos, da diretora. No primeiro capítulo, apresento um panorama do cinema narrativo com temática lésbica, dividindo-o em três subcapítulos e evidenciando, a partir de algumas das principais obras teóricas produzidas a partir desses filmes, determinadas características recorrentes neste cinema. Este capítulo desempenha uma função balizadora para a compreensão do cinema ao qual Barbara Hammer se contrapõe ao falar sobre e realizar um cinema lésbico. O capítulo 2 discorre sobre a abordagem da Teoria de Cineastas e explicita o percurso metodológico traçado para a elaboração da pesquisa. O terceiro capítulo é dedicado propriamente às proposições de Barbara Hammer acerca de um cinema lésbico. A seção se desenvolve em torno de três eixos: a influência da cineasta Maya Deren e do cinema de vanguarda norte americano sobre a arte de Hammer, a formulação de uma estética lésbica e a concepção de cinema ativo. Objetivo, com este estudo, fornecer uma reflexão orientada acerca do pensamento verbal e cinematográfico de Barbara Hammer, a fim de, com isso, contribuir para destacar o seu papel na formulação de um pensamento e de uma estética de cinema lésbico.Item Sobretudo: discurso, imaginário e figurino em A Bela da Tarde, de Luis Buñuel(Universidade Estadual do Paraná, 2020-12-10) Sauthier, Helio Ricardo; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/1814623528566340; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Silva, Amábilis de Jesus da; https://lattes.cnpq.br/7668645752206910; Fischer, Sandra; https://lattes.cnpq.br/0161776649502273O objeto de estudo desta pesquisa centra atenção na visualidade da personagem Séverine em A Bela da Tarde (Belle de Jour, 1967), filme dirigido pelo cineasta espanhol Luis Buñuel e com figurinos criados pelo estilista francês Yves Saint Laurent. A leitura em perspectiva discursiva foi realizada com foco no figurino dessa personagem icônica, para discutir tal visualidade enquanto um discurso que atualiza representações da mulher casta e da mulher profana na iconografia da história da arte ocidental. A metodologia da pesquisa caracteriza-se como do tipo descritiva, na qual trago como referência concepções de discurso desenvolvidas na perspectiva da Análise de Discurso Francesa (AD), especialmente num viés foucaultiano, no sentido de investigar a memória discursiva e a intericonicidade materializadas em Séverine e que compõem seus sentidos. Também lanço mão do método para análise fílmica fundamentado em fotogramas e do cruzamento de imagens da história da arte ocidental, para evidenciar as formações discursivas, a memória discursiva e a intericonicidade que inscrevem formações imaginárias no corpo da mulher e interagem no processo de (re)-produção de identidades. Os resultados da pesquisa evidenciaram que a visualidade de Séverine remonta a um longo processo de construção icônica advinda especialmente do Classicismo e do Renascimento e que foi amplamente explorada pelos campos discursivos do cinema e da moda, influenciando as formações imaginárias e identitárias que costuram o sujeito pós-moderno à estrutura social e às formas pelas quais somos representados ou interpretados nos sistemas culturais.Item Trajetórias de luto: espacialidade e transmutação interior em Maboroshi no Hikari (1995, Hirokazu Kore-eda) e Mogari no Mori (2007, Naomi Kawase)(Universidade Estadual do Paraná, 2024-04-25) Choma, Juliana Luiza; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; https://lattes.cnpq.br/4129017769766858; Vasconcelos, Beatriz Avila; https://lattes.cnpq.br/3794997653941862; Baggio, Eduardo Tulio; https://lattes.cnpq.br/8887788540106433; Ishiki, Michiko Okano; https://lattes.cnpq.br/3118222606852565; André, Richard Gonçalves; https://lattes.cnpq.br/1798165095642353Esta pesquisa tem como objetivo investigar a relação entre espaço e mundo interior e de que modo ela se materializa no cinema contemporâneo japonês a partir do recurso da trajetória. A pesquisa parte da concepção de que o atravessamento dos personagens por espaços é capaz de revelar suas emoções ao espectador e que, portanto, o espaço se torna uma via de acesso ao mundo interior dos personagens. Como material de análise, utilizam-se as trajetórias de luto realizadas nos filmes Maboroshi no Hikari / A Luz da Ilusão (1995, Hirokazu Kore-eda) e Mogari no Mori / Floresta dos Lamentos (2007, Naomi Kawase), entendendo a trajetória como elemento capaz de realizar a transmutação do luto, isto é, uma profunda modificação na relação do personagem com este sentimento, com seu passado e com sua nova realidade. Traçando um caminho de aprofundamento na cultura japonesa, este trabalho está estruturado de modo a estimular reflexões acerca da influência do pensamento sobre a paisagem em nossa relação com o mundo. Busca-se compreender a reverberação desse pensamento nas artes, com foco nas artes visuais e arquitetura japonesas, investigando os valores culturais de Ma e oku como modos de relacionar o material e o imaterial no pensamento espacial japonês. Todo este percurso teórico culmina, neste trabalho, com a observação desses valores de Ma e oku nos filmes supra-mencionados, através de uma metodologia que se utiliza das formas dos tradicionais rolos ilustrados japoneses para a elaboração de um percurso visual sobre frames fundamentais. A análise, estrutural, de cunho cultural, busca questionar em que medida os espaços são capazes de revelar o mundo interior dos personagens, sendo dispositivos essenciais para aprofundar a experiência estética e metafísica do luto nestes filmes. Alguns autores utilizados para o embasamento desta pesquisa são Michiko Okano (2012), Fumihiko Maki (1979), Shuichi Kato (2012), Anne Cauquelin (2007) e Franco Panzini (2013).